Em 2026, a franquia The Legend of Zelda celebra 40 anos de história, consolidando-se como uma das séries mais influentes dos videogames. Mais do que aventuras épicas, Zelda construiu sua identidade também através da forma como utiliza cores para guiar emoções, atmosferas e a própria percepção de Hyrule ao longo das gerações.
Aproveitando o ano de celebração e com o possível remake de The Legend of Zelda: Ocarina of Time no horizonte, as discussões sobre sua importância estética e narrativa retornam aos holofotes. Vale lembrar que Ocarina of Time moldou a indústria da época e basicamente ensinou às desenvolvedoras como criar jogos de aventura em 3D.
Durante minha longa jornada como jogador me deparei com diversos cenários e distribuição de paletas de cores impressionantes. Uma das que mais me marcou foi a utilizada em Skyward Sword. Tanto o padrão de aquarela quanto os traços impressionistas ajudaram não só a formar a identidade do jogo, mas também contribuíram para esconder a principal deficiência do Wii: a falta de poder do console.
No entanto, essa característica acabou me cativando tanto que elegi Skyward Sword como meu jogo favorito da franquia, apesar de todas as suas questões, especialmente a versão de Wii. Seu visual é literalmente uma obra de arte!
Tendo isso em mente, falaremos sobre como a psicologia das cores ajudou a forjar a franquia e sua contribuição para transformar os jogos da série em uma experiência visual e emocional única. Boa leitura!
O que é a Psicologia das Cores?
A psicologia das cores é o estudo de como diferentes tonalidades influenciam emoções, sensações e comportamentos humanos. Muito utilizada em áreas como cinema, publicidade, design e videogames, o conceito parte da ideia de que as cores possuem significados capazes de alterar a forma como percebemos ambientes, personagens e situações.
Tons quentes, como vermelho e laranja, costumam transmitir energia, urgência ou perigo, enquanto cores frias, como azul e verde, geralmente evocam tranquilidade, equilíbrio e contemplação.
Um simples exemplo de como isso funciona na prática são as redes de fast food. Em uma busca rápida, a grande maioria possui o vermelho e o amarelo como base, e alguns até mesclam ambos para obter o resultado esperado.
Nas mídias sociais, ocorre o inverso: em vez de transmitir uma explosão de energia, tons azulados e frios são utilizados para que o usuário passe horas e horas consumindo o serviço sem perceber que está sendo manipulado para isso através das cores.
Nos videogames, a psicologia das cores ajuda a construir identidade visual e reforçar emoções sem a necessidade de diálogos ou explicações longas. Um cenário dominado por tons escuros pode sugerir decadência ou ameaça, enquanto ambientes iluminados e coloridos tendem a transmitir segurança e liberdade.
Com a franquia The Legend of Zelda, por exemplo, a Nintendo utiliza cores para diferenciar eras, realidades, atmosferas e até o estado emocional de Hyrule, transformando a direção de arte em parte essencial da narrativa.
A roda de cores é uma das principais ferramentas desse conceito. Ela organiza as cores de forma circular para demonstrar relações como contraste, harmonia e combinação, ajudando artistas e designers a criarem composições visuais equilibradas e emocionalmente impactantes.
Repare que o verde utilizado por Link está do lado oposto do vermelho de Ganon. A peça central do quebra-cabeça, a princesa Zelda, é associada ao azul. Ou seja, tudo está em sintonia para que o jogador, ao bater o olho, identifique com clareza o perfil das personagens e suas intenções.
Outro ponto sobre a distribuição de cores é a ideia de cores primárias e secundárias. Geralmente, os protagonistas carregam grandes quantidades de azul, amarelo e vermelho (Homem de Ferro, Capitão América, Superman, Mulher Maravilha), enquanto que personagens secundários são apresentados nas cores laranja, roxo e verde (Hulk, Duende Verde, Coringa e Exterminador).
Note como isso também se faz presente em Ocarina of Time: Link usa verde, Zelda azul e Ganondorf vermelho. Seguindo a premissa apresentada, Zelda e Ganondorf são as principais figuras da história, e Link aparece como uma peça complementar.
Ocarina of Time: o herói da floresta e da tradição
The Legend of Zelda: Ocarina of Time marcou época não somente pela estreia da franquia no plano tridimensional do Nintendo 64, mas também uma evolução importante na forma como a Big N empregava as cores para construir emoções e conduzir o jogador pela aventura.
Mesmo com a limitação tecnológica da época, o jogo transformou sua paleta visual em parte essencial da narrativa, ajudando a diferenciar ambientes, transmitir sensações e reforçar o amadurecimento de Link ao longo da jornada.
O verde domina os primeiros momentos da aventura e aparece diretamente associado à infância do protagonista: a floresta Kokiri é iluminada, viva e confortável, reforçando uma sensação de proteção e inocência. A própria túnica de Link funciona como extensão desse ambiente.
Na psicologia das cores, o verde costuma representar esperança, equilíbrio e crescimento; conceitos que definem perfeitamente o início da trajetória de Link. Conforme a aventura avança, o azul ganha protagonismo: a Ocarina do Tempo, os efeitos mágicos e até partes do Templo do Tempo utilizam tonalidades frias para transmitir serenidade e mistério.
A transição para o futuro dominado por Ganondorf altera drasticamente a identidade visual do jogo. Os ambientes passam a utilizar tons mais escuros, céus avermelhados e iluminação pesada, criando uma atmosfera hostil e de decadência. O vermelho simboliza violência, destruição e urgência, enquanto o roxo frequentemente aparece ligado à corrupção e à magia sombria.
Inclusive, Sheik, disfarce da princesa Zelda como um membro da tribo dos Sheikah, possui grande parte de sua roupa com tons de roxo, indicando que essa personagem, ainda que importante, não é o ponto focal da história.
Essa mudança cromática provoca um choque psicológico imediato: a Hyrule colorida e esperançosa da infância desaparece para dar lugar a um reino devastado e em ruínas. Os próprios templos utilizam cores frias e pouco saturadas para reforçar suas identidades e perigos.
Ao abusar de contrastes tão fortes entre infância e fase adulta, a Nintendo criou uma das identidades visuais mais marcantes da história dos videogames e estabeleceu um padrão que influencia não apenas Zelda, mas toda a indústria a partir daquele momento.
Aplicando ainda mais a psicologia das cores, temos nos medalhões de Link a presença das cores primárias e secundárias em um hexágono, assim como ocorre na roda das cores. Mais uma evidência da importância de selecionar as cores apropriadas para cada item do jogo, e como eles ficam expostos no menu, a ordem de exibição é completada a cada tempo vencido.
Twilight Princess: melancolia e fuga da realidade
The Legend of Zelda: Twilight Princess representa um dos momentos mais curiosos da identidade visual da franquia. Lançado em meio à era dos jogos edgy dos anos 2000 (tema, estética ou humor provocativo), o título adotou uma direção de arte mais sombria e realista, mas sem abandonar completamente a fantasia característica de Zelda.
Em vez de seguir o exagero agressivo de muitos jogos da época, Twilight Princess construiu uma atmosfera melancólica, silenciosa e emocionalmente pesada. Grande parte dessa sensação vem da forte presença de tons dessaturados. Marrons, cinzas e verdes escuros dominam Hyrule durante boa parte da aventura, criando um reino que parece cansado e ameaçado.
Diferente das cores vibrantes de Ocarina of Time ou até mesmo Wind Waker, Twilight Princess aposta em uma paleta mais fria e contida para transmitir decadência e incerteza. O resultado não é um mundo brutal ou violento, mas um cenário lúgubre e deprimido, como se Hyrule estivesse lentamente perdendo sua própria identidade.
Essa escolha visual dialoga diretamente com o contexto da indústria na metade dos anos 2000. Naquele período, diversos jogos buscavam uma estética mais “madura”, marcada por filtros acinzentados, excesso de sombras e personagens agressivos. Títulos como GTA IV e Gears of War ajudaram a popularizar essa abordagem, muitas vezes associando maturidade a violência extrema ou exageros visuais.
O Twilight Realm, lar de origem de Midna, reforça ainda mais essa proposta. Tons pretos, cinzas azulados e brilhos violetas criam um ambiente sobrenatural que parece deslocado da realidade. O violeta, inclusive, frequentemente associado ao mistério e à magia, surge aqui ligado ao desconhecido e à solidão.
Nesse cenário, Midna se torna um contraste importante: seus detalhes em laranja e dourado ajudam a quebrar a monotonia fria do Crepúsculo e funcionam como pontos de calor emocional ao longo da jornada. A personagem traz ironia, sarcasmo e humanidade para um mundo silencioso, e suas cores reforçam exatamente isso.
Enquanto Hyrule parece afundar em tons apagados, Midna surge quase como um lembrete visual de que ainda existe vida e esperança naquele universo. Até mesmo a túnica de Link desse jogo transmite uma sensação diferente dos protagonistas anteriores. O verde clássico recebeu tons mais escuros e terrosos, bem menos vibrantes do que em outras aventuras.
Isso ajuda o personagem a se integrar ao ambiente melancólico de Twilight Princess, reforçando a ideia de que aquele herói faz parte de um mundo em decadência. Ainda assim, o verde permanece presente como símbolo de coragem e esperança, impedindo que a identidade clássica da franquia desapareça completamente.
Breath of the Wild: liberdade e reconstrução
The Legend of Zelda: Breath of the Wild representa uma das maiores transformações visuais da história da franquia. Após anos alternando entre o estilo clássico e abordagens mais sombrias, a Nintendo optou por uma direção de arte que utiliza cores para transmitir liberdade, contemplação e descoberta.
Mais do que criar cenários bonitos, Breath of the Wild transforma sua paleta visual em parte fundamental da experiência de exploração, reforçando constantemente a sensação de que Hyrule é um mundo vivo e aberto ao jogador.
Diferente dos Zeldas anteriores, onde as áreas eram mais segmentadas e guiavam a progressão da aventura, Breath of the Wild apresenta um mundo vasto e orgânico, dominado por verdes vibrantes, céus azuis e iluminação natural intensa, seja de dia ou de noite.
O verde deixa de pertencer apenas ao herói e passa a definir o próprio ambiente. Campos, montanhas e florestas ocupam grande parte da tela o tempo todo, criando uma sensação constante de vida e renovação.
Nesse contexto, a mudança da clássica túnica verde para a túnica do campeão ganha ainda mais significado. O azul contrasta com a natureza abundante de Hyrule e ajuda Link a se destacar visualmente em um mundo dominado pelo verde. Além da questão estética, a cor transmite serenidade, introspecção e liberdade, refletindo perfeitamente o tom melancólico da aventura.
O azul também possui forte relação com a tecnologia Sheikah, um dos pilares visuais do jogo. Os templos (Shrines), guardiões, torres e o próprio Sheikah Slate utilizam tons azulados brilhantes para representar conhecimento ancestral e energia antiga, com leves toques de amarelo para criar um belo contraste.
Ao mesmo tempo, o vermelho surge como símbolo de corrupção e ameaça. A energia de Ganon, os olhos dos guardiões corrompidos (fala a verdade, você lembrou da música de pânico e viu aquela mira infernal agora, né?), e diversas áreas perigosas (Torre de Akkala) utilizam tons avermelhados intensos que contrastam violentamente com a tranquilidade natural de Hyrule.
É uma oposição visual clara: enquanto o verde e o azul representam vida, liberdade e esperança, o vermelho simboliza destruição e desequilíbrio. Essa diferença cromática ajuda o jogador a identificar perigos instantaneamente, mas também reforça emocionalmente o estado fragilizado em que o reino se encontra.
A direção de arte do jogo também utiliza iluminação e clima como parte da experiência emocional. O pôr do sol em tons dourados transmite nostalgia e conforto, enquanto manhãs claras reforçam a sensação de recomeço. O jogo não depende de diálogos constantes para emocionar o jogador; muitas vezes, basta observar o horizonte próximo à vila Ishka (Lurelin) para compreender o tom da aventura.
Mais do que reinventar Zelda, Breath of the Wild mostrou como a psicologia das cores pode transformar exploração em emoção. Ao trocar a fantasia clássica por uma abordagem mais naturalista e contemplativa, a Nintendo criou uma Hyrule que não serve apenas como cenário para a aventura, mas como parte essencial da experiência emocional do jogador.
Ao longo de quase 40 anos, The Legend of Zelda mostrou que sua identidade vai muito além de espadas, templos e aventuras épicas. A franquia utilizou a psicologia das cores para transformar Hyrule em um reflexo emocional de cada era da série, acompanhando não apenas a evolução tecnológica da Nintendo, mas também as mudanças da própria indústria dos videogames.Do verde inocente de Ocarina of Time à melancolia dessaturada de Twilight Princess e à liberdade contemplativa de Breath of the Wild, Zelda prova que cores também contam histórias. Mais do que estética, elas ajudam a construir memórias, sensações e emoções que permanecem vivas mesmo décadas após o fim da jornada.
Revisão: Cristiane Amarante
